COSECHA DEL 2000

El último año del siglo XX (sí, el año 2000 todavía era el siglo XX) nos dejó una gran cantidad de discos memorables. Época de cambios e innovaciones, el nu-metal seguía vigente aunque diluyéndose prematuramente y el indie todavía no había comenzado a imponerse edulcorando las guitarras y comenzando su anodino imperio que perdura hasta día de hoy (dejando por el camino algunos buenos discos a pesar de todo). Comenzamos la cuenta atrás.

10 Linkin Park-Hybryd Theory

El nu-metal fue un sonido tan rompedor como efímero. Arrancó a mediados de los 90 y por el año 2000 ya empezaba a dar signos de agotamiento. Linkin Park, sin embargo, consiguieron destacar en plena decadencia del género dándole un cariz más comercial todavía que el de la mayoría de las bandas que surgieron a la sombra de los Korn, Deftones o Limp Bizkit, pero añadiéndole una calidad que le faltaba a gran parte de los nuevos grupos que iban surgiendo como copias faltas de originalidad.

Su sonido caracterizado por el juego de voces entre Chester Bennington en las partes cantadas y Mike Shinoda rapeando reventó las listas de éxitos, vendiendo casi 5 millones de discos en Estados Unidos en su primer año y llegando a más de 30 millones por todo el mundo a día de hoy, gracias a éxitos como One Ste Closer, Crawlin’ e In the End.

Su siguiente trabajo, Meteora, consiguió mantener el nivel de su debut, pero posteriormente una apuesta cada vez más clara por comercializar su sonido y acercarlo al pop les ha hecho perder la personalidad que lograron en los inicios de su carrera.

9 Queens of the Stone Age-Rated R

El Segundo disco del ex-Kyuss Josh Homme supuso un paso adelante en la búsqueda de un estilo propio que logró dar una vuelta de tuerca al dessert rock del que provenía, haciéndolo más accesible al gran público y abierto a más influencias.

Para este segundo trabajo, Homme se rodeó de una compañía difícilmente mejorable, con su antiguo colega Nick Oliveri al bajo y Mark Lanegan, de Screaming Trees, como cantante secundario y compositor secundario.

El álbum comienza de forma espectacular con la provocativa Feel Good Hit of the Summer, en la que Homme repite a modo de mantra el nombre de varias drogas al son de un pegadizo ritmo, seguida por uno de los grandes clásicos de la banda, The Lost Art of Keeping a Secret y la psicodélica Leg of Lamb y Auto Pilot en la que Oliveri es la voz principal. El resto del álbum, sin llegar al nivelón de su apertura, es un grandísimo trabajo con algunas perlas ocultas como In the Fade o Tension Head (con Lanegan y de nuevo Oliveri respectivamente como voces principales) que sirvió como preámbulo del gran clásico de la banda que se publicaría en 2002, Songs for the Deaf, que les convertiría en uno de los reyes, o mejor dicho reinas, de su generación.

8 Rancid-Rancid

Dos años después de Life Won’t Wait, un disco cargado de buen rollo y mestizaje en el que Rancid dejaba patente su amor por el reagge y el ska, los cuatro punkarras californianos publicaron su segundo disco homónimo (más conocido como Rancid 2000), su trabajo más duro hasta la fecha en el que rendían homenaje a las bandas de hardcore con las que crecieron como Minor Threat, Black Flag o Bad Brains.

En total 22 temas concentrados en menos de 40 minutos, la mayor parte de ellos mostrando su lado más rabioso como en el comienzo con Don Giovanni y Disgruntled o en I Am Forever o Corruption, junto con otras canciones (las menos) en las que demostraban que no se habían olvidado del mestizaje que impregnaba su anterior disco en temas como Rwanda o Radio Havana.

La propuesta endurecida de Rancid tuvo un éxito notablemente inferior que el de sus anteriores discos, sin embargo, con el paso de los años ha acabado convirtiéndose en uno de sus discos más respetados y de culto.

7 Rage Against the Machine-Renegades

A finales del año 2000 Zack de la Rocha, cantante de Rage Against the Machine, hacía pública su marcha de la banda que le dio la fama. Un par de meses después aparecía Renegades, un disco de versiones que puso punto y final a su discografía y que es sin lugar a dudas uno de los mejores discos de versiones de la historia.

Renegades ponía de manifiesto el abanico de influencias de una formación caracterizada por la mezcla de estilos. Punk, rap, funk, canción protesta… La enorme virtud de este Renegades es que Rage cogía las canciones de grupos que les habían influenciado para transformarlas en temas propios, con su propio sello de identidad, haciéndolas únicas y difícilmente reconocibles. Solo en los temas más punk como el Kick Out of the Jams de MC5 o en In My Eyes de Minor Threat mantenían la línea de los temas originales, aunque haciéndoles ganar en potencia.

Sin embargo, al resto de temas consiguieron darles un aire único. Es el caso de Pistol Grip Pump de los raperos Volume 10, el ya clásico Renegades of Funk de Afrika Bambaataa (mejorando hasta límites insospechados la original), la inquietante Beautiful World de Devo o un renovado How I Could Just Kill a Man de Cypress Hill. Y es versionando a dos de los más grandes cantantes norteamericanos de la historia donde dan lo mejor de sí en el disco, con la oscurísima versión de The Ghost of Tom Joad de Brucen Springsteen y una Maggie’s Farm de Bob Dylan que recoge el mensaje político de la canción dotándole de la rabia característica del cuarteto de L.A.

6 Placebo-Black Market Music

Los dos primeros álbumes de Placebo fueron grandes éxitos de ventas. Tras una exitosa gira entraron al estudio con ganas de seguir comiéndose el mundo, pero se toparon con un obstáculo frecuente en el mundo del rock: las drogas. Y es que el periodo de grabación de Black Market Music se prolongó nueve meses. Al final fueron capaces de sacar el disco adelante publicando el que es probablemente su disco más inspirado hasta la fecha (y visto lo visto no tiene pinta de que eso vaya a cambiar).

El trío liderado por Brian Molko profundizó en su sonido añadiendo influencias de otros géneros, incluyendo incluso algunos a los que menospreciaban como el nu-metal, para darle una vuelta de tuerca como podemos oír en Spite & Malice, en la que Molko mete partes rapeadas, y oscureciendo su sonido, algo muy presente en todo el álbum y que se hace especialmente patente en temas como Blue American o Narcoleptic. El disco fue además un éxito de público gracias a temas que se convirtieron en clásicos como Days Before You Came, Special K, Black Eyed o Slave to the Wage.

5 Iron Maiden-Brave New World

A finales de los 90 Iron Maiden se encontraban en el momento más bajo de su carrera. Pese a seguir siendo una banda de masas la crítica y el público les dio la espalda tras la marcha de su cantante Bruce Dickinson a principios de la década. Su sustituto, Blaze Bailey, estaba a años luz de su carismático predecesor y los dos trabajos que publicaron con él, The X Factor y Virtual XI, pasaron sin pena ni gloria (aunque en mi modesta opinión el segundo de ellos tiene temas muy aprovechables).

Afortunadamente, el bueno de Bruce pareció dar por finalizadas sus ganas de emprender y acordó su regreso a la Dama de Hierro. Con él llegó Adrian Smith, antiguo guitarrista de la banda, pasando a tener seis miembros la formación en lugar de sus habituales 5, contando ahora con tres guitarristas

Las expectativas eran máximas y esta vez no defraudaron. Brave New World es sin lugar a dudas el disco más redondo de Iron Maiden desde el ya lejano Fear Of The Dark en 1992 (y probablemente mejor que este). El disco se caracteriza por una vuelta al sonido más épico de la banda, buscando canciones que sonasen como himnos, es el caso de los cuatro temas con los que arranca el álbum, The Wicker Man, Ghost Of The Navigator, Brave New World y Blood Brothers y que ganan enteros en los directos. También encontramos temas complejos y con grandes desarrollos como un Dream Of Mirrors que recuerda por momentos a su clásico Phantom of the Opera y canciones más melódicas y accesibles como Out of the Silence Planet.

Después de este triunfal regreso la formación se ha mantenido intacta hasta el momento y han conseguido mantener el gran nombre que se forjaron en los 80, pero ninguno de sus nuevos discos ha llegado al nivel de este Brave New World.

4 Marilyn Manson-Holywood

El 20 de abril de 1999 dos estudiantes de la localidad de Columbine (Estados Unidos) conmocionaron al mundo irrumpiendo armados hasta los dientes en su instituto disparando a todas las personas con las que se cruzaron. Casualidades de la vida estos dos chavales eran fans de Marilyn Manson. Ahora Manson puede parecer alguien bastante inofensivo, pero a mediados y finales de los 90 era realmente el anticristo para buena parte de la sociedad estadounidense por su mensaje transgresor, abiertamente crítico con la doble moral norteamericana, fieramente antirreligioso, explícitamente sexual y partidario de las drogas, uniéndolo con una puesta en escena magistralmente macabra y una música cruda y oscura. Los mismos que le temían y protestaban a las puertas de sus conciertos aprovecharon para lanzar una campaña enfervorecida en contra del cantante favorito de los asesinos de Columbine. El resultado en forma de disco fue este Holywood.

Holywood cerraba la trilogía comenzada en 1996 con Antichrist Superstar y seguida por Mechanical Animals. Juntos conforman tres de los mejores discos de rock de los últimos 25 años. Musicalmente nos encontramos con un disco que recupera la oscuridad del Antichrist, pero con un toque más accesible y menos industrial de la mano de John 5 que junto con Twiggy Ramirez se encargó de llevar el peso en la composición del grupo, encargándose Manson de las letras.

Este último volumen de la trilogía fue influenciado irremediablemente por la matanza y es el disco con un mensaje más político de Manson. En él más que nunca hay referencias directas a la doble moral y la decadencia norteamericana (The Fight Song), las armas (The Love Song) o a los jóvenes incomprendidos y marginados (The Nobodys y Disposable Teens). Temas en los que se podrían haber visto reflejados los dos asesinos de Columbine y es que como cuando Michael Moore le preguntó al propio Manson qué le diría a aquellos chicos él respondió que no les diría nada, que escucharía lo que ellos tuvieran que decir, ya que precisamente eso era lo que nadie había hecho. La respuesta del “anticristo” evidenció que el “monstruo” era bastante más humano que quienes le perseguían.

3 At the Drive In-Relationship of Command

Creas un grupo con unos amigos, te dejas la piel componiendo y ensayando. Lanzas tu primera maqueta, la segunda, grabas un primer disco que tiene un discreto éxito, sigues en la carretera currándotelo, grabas un segundo disco, empiezas a hacerte con un nombre, grabas un tercer disco, sabes que es extraordinario, todo el mundo empieza a hablar de ti, empiezas a tocar en grandes escenarios al lado de grandes grupos, se empieza a hablar de tu grupo como uno de los más prometedores de la última década, como unos revolucionarios de su género… y fin, el grupo se separa. Versión exprés de la historia de At the Drive In.

Relationship of Command fue un éxito de crítica como pocos se recuerdan. El quinteto de El Paso revolucionó la escena convirtiéndose en abanderados del posthardcore, llevando el sonido a lugares donde nunca había estado y sirviendo para influencia de grupos y géneros posteriores que persiguieron su excelencia como un modelo a seguir. Continuando con la tradición de letras indescifrables, la aguda y desgarradora voz de Cedric Bixler y la guitarra de un Omar Rodríguez-López que haciendo aparentemente muy poco dotaba al sonido de At the Drive In de una peculiaridad única a lo que hay que añadir un directo arrollador (de verdad, merece mucho la pena ver como la liaban en los vídeos que hay colgados en youtube).

Tras su separación los miembros menos ilustres del grupo formaron Sparta, un grupo que seguía tocando un estilo similar, lejos de la maestría de At the Drive In, pero con discos muy decentes y que tristemente no tuvieron mucho éxito. Paralelamente, Cedric Bixler y Omar Rodríguez formaron The Mars Volta, en donde desataban su lado más psicodélico y progresivo, alcanzando un notable éxito de crítica y público. Ahora tras casi dos décadas sin At the Drive In esperamos ansiosos (aunque escépticos, al menos en mi caso) su disco de reunión. Crucemos los dedos.

2 Radiohead-Kid A

Cuando una banda llega a lo más alto tiene dos opciones, tratar de repetir la fórmula o intentar llevar tu sonido un paso más allá. Después del éxito conseguido con OK Computer, Radiohead decidieron llevar su sonido no uno, sino varios niveles más allá. En OK Computer ya dejaron patente su tendencia a la experimentación, pero no dejaba de ser un álbum para todos los públicos, original y alejándose ya bastante de la senda del resto del britpop, pero accesible al fin y el cabo.

Cuando en el año 2000 apareció Kid A el público no sabía muy bien cómo reaccionar ante un álbum totalmente experimental que mezclaba la electrónica con la psicodelia, la música ambiental y unas letras poderosas y oníricas creando un sonido único. Los temas enlazados casi sin descanso no dejan lugar para el respiro invitando a degustarlo de una sentada. El álbum comienza con el emblemático Everything in Its Right Place, al que siguen una serie de temas cada cuál más inquietantes, Kid A en la que la única voz que nos habla es una versión metálica de Thom Yorke, The National Anthem, How to Disappear Completely… hasta llegar al clímax del álbum casi al final con Idiotheque, un tema minimalista con una base electrónica y una sencilla melodía de piano sobre los que Yorke nos canta sobre sus miedos al holocausto nuclear. Cierra el disco la estremecedora Motion Picture Soundtrack, que nos mece con su melancolía tras un viaje onírico y extenuante.

Solo un año más tarde publicarían Amnesiac, un álbum concebido simultáneamente a Kid A y que mantiene el mismo estilo sin perder en calidad. Para el recuerdo queda el extraordinario directo que hicieron para televisión en los estudios de Canal Plus interpretando únicamente canciones de estos dos extraordinarios trabajos que elevaron a Radiohead al olimpo de la música. Os recomiendo encarecidamente su visionado, musicalmente es uno de los momentos que más me han impactado nunca.

1 Deftones-White Pony

Nada tiene que ver estilísticamente, pero este nº1 sí que guarda una relación con nuestro nº2. Al igual que Radiohead tras lograr el éxito y el reconocimiento con sus primeros álbumes, Deftones decidió innovar y alejarse de la escena a la que pertenecían (o en la que les habían encasillado), en su caso el Nu-metal, demostrando que estaban hechos para mirar mucho más arriba.

Con White Pony Deftones abrió ampliamente el abanico de su sonido ayudados con la entrada como miembro de facto en el grupo de Frank Delgado como teclista y DJ. Las atmósferas están presentes a lo largo del disco, lo cual junto con las enigmáticas letras de Chino Moreno (muchas de ellas con un trasfondo bastante sórdido) y unas composiciones más melancólicas que en sus dos anteriores discos dan al álbum una tonalidad única, bebiendo de géneros alejados del omnipresente nu-metal como el shoegaze o el postrock.

El disco cuenta con cañonazos como Elite, Street Carp o Korea más ligados al pasado de la banda, pero que introducen nuevos elementos como voces electrónicas o teclados de fondo que les hacen ganar en consistencia. Sin embargo, en la mayoría del álbum predomina la melodía y las atmósferas, siendo un disco que desprende sentimiento y que junto con la susurrante y quebrada voz de Chino Moreno dota al álbum de un áurea mágica y llena de pasión, sin duda un álbum que gana escuchándolo a oscuras y en un ambiente relajado. Digital Bath, Knife Prty, Change (in the House of Lies) o Pink Maggitt (de la que posteriormente surgiría su version comercial Back to School que fue todo un éxito) son ejemplos de lo mejor de la carrera de Deftones y por ende del rock y metal contemporáneo.

Nos dejamos fuera entre otros:

11 Soulfly-Primitive

12 Ryan Adams-Hearbreaker

13 Johnny Cash: American III: Solitary Man

14 A Perfect Circle-Mer de Noms

15 Limp Bizkit-Chocolate Starfish And The Hot Dog Flavored Water

16 Millencollin-Pennybridge Pioneers

17 Ulver-Perdition City

18 Elliott Smith-Figure 8

19 Electric Wizard-Dopethrone

20 Orange Goblin-The Big Black

Ludwig van González

LONG LIVE THE RENEGADES!!

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